Schuld und Sühne: DER PROZESS I. EICHMANN

„Der Prozess I. Eichmann“

von krügerXweiss

Spielort: Staatstheater Braunschweig, Kleines Haus

Premiere am: 26.06.2021

gesehen am: 03.07.2021

Spielzeit: ca. 80 Minuten

Regie: Marie-Luise Krüger, Christian Weiß

Mitwirkende:

Ruth Bohsung, Cecilia Pérez, Saskia Petzold, Saskia Taeger

Darum geht’s und so ist’s gemacht

Einiges läuft an diesem Abend anders als gewohnt: Über jede Sitzlehne ist ein Kopfhörer geklemmt. Diesen Kopfhörer setzt man sich zu Beginn des Stücks auf. Er isoliert die Umgebungsgeräusche in hohem Maße und übertragt alles, was man hören soll. O-Töne, Musik, Hintergrundgeräusche und live auf der Bühne gesprochene Texte vermischen sich zu einer Art Live-Hörspiel mit gleichzeitigem visuellen Theatererlebnis.

Inhaltlich steht der Prozess gegen Adolf Eichmann von April bis Dezember 1961 im Vordergrund. Eichmann hat in der Zeit des Nationalsozialismus die Verfolgung und Deportation von Juden und Jüdinnen maßgeblich organisiert. Das Stück beschäftigt sich mit dem Prozess selbst, nicht aber mit seiner Rezeption (Stichwort „Banalität des Bösen“) und arbeitet mit Texten aus den Originaldokumenten. Es entsteht ein Geschichtsmosaik, ein dokumentarisches Bollwerk gegen das Vergessen. Ein Abend, der das Publikum zum Mitdenken herausfordert, zum Bilden einer eigenen Haltung.

Foto: Bettina Stoess

Um die verschiedenen Versatzstücke des Abends zu illustrieren, braucht es ein flexibles Bühnenbild, das Andrea Jensen in vier portablen Glaswänden gefunden hat. Das Wandinnere kann mit Theaternebel gefüllt werden, wodurch zusammen mit geschickter Lichtsetzung abstrakte, aber dennoch starke Bilder entstehen. Die vier Darstellerinnen halten durchgehend Babys (Puppen) im Arm, sodass jederzeit deutlich wird, dass es in diesem Prozess nicht nur um Vergangenheit und Gegenwart geht, sondern auch um die Zukunft, um eine Verarbeitung im Sinne der Nachfahren.

Foto: Bettina Stoess

So wird gespielt

Mit Ruth Bosung und Cecilia Pérez gehören zwei Studierende der Hochschule für Musik, Theater und Medien Hannover zum Ensemble des Stücks. Beide machen ihre Sache rundum gut, sind präsent und füllen ihre Rollen gelungen aus. Saskia Petzold und Saskia Taeger sind Ensemblemitglieder am Staatstheater Braunschweig, insbesondere Taeger überzeugt durch ihr klares und doch differenziertes Stimmverhalten – Stimme ist ja ein Element, das durch die Kopfhörerübertragung eher noch an Bedeutung gewinnt.

Fazit

Ein rundum überzeugendes Konzept, gute Schauspielleistungen und das spannende Thema sorgen dafür, dass das 80-minütige Stück immer interessant und niemals langweilig ist, selbst dann, wenn es sehr abstrakte Momente hat. Kluge Unterhaltung, die zum Nachdenken anregt und Lust auf mehr macht – gerne auch wieder mit Kopfhörern!

Wertung: ✱✱✱✱✱✱✱✱

8 von 10 Sternen!

Weitere Aufführung: 11. Juli 2021

Arielle, die Mülljungfrau: RUSALKA

„Rusalka”

Musik: Antonin Dvorak (Fassung: Marian Lejava)

Text: Jaroslav Kvapil

Spielort: Staatstheater Braunschweig

Premiere der Inszenierung am: 12.06.2021

Spielzeit: ca. 150 Minuten, keine Pause

Regie: Dirk Schmeding

Abendbesetzung:

Musikalische Leitung: Srba Dinić

Rusalka: Julie Adams

Prinz: Kwonsoo Jeon

Wassermann: Jisang Ryu

Fremde Fürstin: Ekaterina Kudryavtseva

Jezibaba: Edna Prochnik

Küchenjunge: Milda Tubelytė

Heger: Maximilian Krummen

Erste Waldelfe: Jelena Banković

Zweite Waldelfe: Isabel Stüber Malagamba

Dritte Waldelfe: Zhenyi Hou

Darum geht‘s

Die Meerjungfrau Rusalka möchte gerne zu den Menschen gehören. Daher wendet sie sich an die Hexe Jezibaba. Diese gewährt ihr ihren Wunsch. Allerdings gehören einige Einschränkungen dazu: Rusalka wird für Menschen zwar sichtbar sein, aber ihnen gegenüber stumm bleiben. Und sollte sie die Liebe eines Menschen wieder verlieren, wird ein Fluch sie dazu verdammen, ihr Dasein als Wesen zwischen den Welten zu verbringen. Außerdem wird dies den Tod für denjenigen bedeuten, den sie geliebt hat…

So ist’s gemacht

Die allererste Premiere im Großen Haus nach der pandemiebedingten Schließzeit ist von freudiger Erwartung geprägt: endlich wieder Oper! Digital hat „Rusalka“ zwar bereits stattgefunden, eine Aufführung vor Publikum hat es aber bisher nicht gegeben.

Die Nixe auf der Müllkippe (Foto: Thomas M. Jauk)

Die Inszenierung des Kreativteams rund um Regisseur Dirk Schmeding erweist sich als zweischneidiges Schwert: Einerseits schafft es die Aufführung, dass das Auge immer etwas zu tun hat, es passiert immer etwas auf der Bühne und das Stück wird trotz der zweieinhalb Stunden Spielzeit, die ohne Pause dem Sitzfleisch durchaus einiges abverlangen, nie langweilig. Andererseits überzeugt das Verlegen der Handlung ins Heute nur teilweise: Ralf Käselaus weitgehend drehbares Bühnenbild zeigt eine fast postapokalyptische Landschaft: Ein verlassenes Industriegelände muss als Schauplatz herhalten, ein Raum außerhalb des gesellschaftlichen Lebens. Stilecht liegt Rusalka dann auch zu Beginn erstmal in einem Müllhaufen und darf sich in der ersten halben Stunde gepflegt im Unrat suhlen. Die Hexe Jezibaba scheint als Landstreicherin ihr Leben zu fristen, der Prinz wirkt eher wie ein abgehalfterter Wannebe, ein verhinderter Surferboy, denn als begehrenswerte Figur. Dass sich die fremde Fürstin, hier offenbar ein Model-Star, für ihn interessiert, ist in diesem Zusammenhang dann auch eher weniger naheliegend. Besonders gute Maskenarbeit ist beim Wassermann zu bestaunen, der wie ein alter, wenig Vertrauen erregender Echsenmensch durch die Gegend schleicht und poltert.

Wie gesagt, zu sehen gibt es viel – besonders schön gedacht ist auch ein per Video zum Leben erwachendes Plakat. Die Schlüssigkeit der Inszenierung gerät aber immer wieder an ihre Grenzen: Dass Rusalka mit Meerjungfrauenschwanz auf der Müllkippe lebt, ist die erste seltsame Auffälligkeit. Was Heger und Küchenjunge – hier zwei Bauarbeiter – mit dem Surferboy-Prinzen zu schaffen haben, bleibt ebenfalls unklar. Man könnte noch einige mehr dieser Ungereimtheiten aufzählen. Es bleibt der Eindruck, dass man einerseits modernisieren, andererseits das Märchenhafte bewahren wollte – ein Drahtseilakt, der in dieser Inszenierung, deren Konzept wohl auch coronabedingt geändert werden musste – nur teilweise funktioniert.

Es bahnen sich Konflikte an (Foto: Thomas M. Jauk)

So wird gespielt

Der Generalmusikdirektor hat das Orchester und alle anderen AkteurInnen an diesem Abend sehr gut im Griff, pointiert, wo es sinnvoll ist, und lässt da, wo es angebracht ist, zarte Töne erklingen. Die MusikerInnen steigern sich insgesamt im Laufe des Abends. Während zu Beginn noch stellenweise der eine oder andere nicht ausgereifte Ton bei den Bläsern zu hören ist, verlieren sich diese kleinen Unsauberkeiten schnell und man bekommt durchweg schöne Tonführungen zu hören.

Jelena Banković, Isabel Stüber Malagamba und Zhenyi Hou geben ein dynamisches Waldelfen-Trio ab, das leider in der gewählten Fassung gesanglich weniger zum Zug kommt als sonst. Maximilian Krummen und Milda Tubelytė sind als Heger und Küchenjunge echte Luxusbesetzungen. Edna Prochnik liefert eine solide Hexendarstellung ab, vermag aber erst am Ende wirklich zu glänzen. Ekaterina Kudryavtseva verleiht der fremden Fürstin die Kraft, die sie benötigt, um als Treiberin der Handlung plausibel zu wirken. Jisang Ryu gestaltet den Wassermann schauspielerisch eindrucksvoll, gesanglich steigert er sich im Laufe der Vorstellung. Kwonsoo Jeon bleibt rollengerecht schauspielerisch eher passiv, überzeugt aber mit durchweg sicherem Tenor. Julie Adams lässt als Rusalka keine Wünsche offen, gestaltet ihre Partie sehr differenziert und beeindruckt stimmlich sowohl mit Wärme als auch mit Durchsetzungskraft.

Fazit

Musikalisch ist es eine Freude, diese „Rusalka“-Aufführung zu verfolgen. Die Inszenierung bleibt an einigen Stellen unausgereift, bietet aber zumindest Abwechslung.

Wertung: ✱✱✱✱✱✱✱

7 von 10 Sternen!

Weitere Vorstellung: 18. Juni 2021

Love Me Tender: FRANKENSTEIN

„Frankenstein“

von Michael Talke nach dem Roman von Mary Shelley

 

Spielort: Staatstheater Braunschweig

Premiere am: 11.09.2020

Gesehen am: 11.10.2020

Spielzeit: ca. 105 Minuten

Regie: Michael Talke

 

Mitwirkende:

Tobias Beyer / Luca Füchtenkordt / Gina Henkel / Gertrud Kohl / Roman Konieczny / Johannes Mittl / Robert Prinzler / Mattias Schamberger

 

Darum geht’s

Die Romanhandlung wird in folgendem Video gekonnt umrissen:

 

So ist’s gemacht und so wird gespielt

Einen Roman auf die Bühne zu bringen, ist immer gefährlich. Wie weit abstrahiert man, wie nachvollziehbar kann die Handlung bleiben? Michael Talke entscheidet sich für einen gelungenen Mittelweg: Die Darstellungsweisen sind besonders, die Erzählweise aber zugleich so traditionell, dass man der Handlung zumeist gut folgen kann.

Geübte TheatergängerInnen werden einige recht typische Darstellungsweisen der letzten Jahre wiederentdecken: Die Stückillusion wird von Beginn an durchbrochen, da die DarstellerInnen hinten am Bühnenrand aufgereiht sitzen. Eine klare Rollenzuweisung gibt es nicht – mal übernehmen mehrere DarstellerInnen dieselbe Figur, mal wechselt man sich ab. Das Bühnenbild ist auf das Wesentliche reduziert. Mitten im Spiel kommt es zu Meta-Diskussionen.

Frankensteins Schöpfung hat einiges zu erleiden (Foto: Thomas M. Jauk)

Es findet aber auch einiges statt, was nicht täglich auf einer Bühne zu sehen ist: Michael Talke arbeitet in seiner Inszenierung viel mit Stummfilmelementen. Johannes Mittl am Klavier steuert, unterstützt von elektronischen Effekten, den Soundtrack bei zu der interessanten Atmosphäre, die durch Textvorhänge und Schwarz-weiß-Bilder entsteht. Interessant wäre es gewesen, die Stummfilmelemente noch konsequenter zu verfolgen, auch sie werden immer wieder unter- und aufgebrochen. Auch insgesamt ist festzustellen, dass die Inszenierung ein wenig ziellos daherkommt, das Konzept immer wieder zu wechseln scheint, sodass am Ende keine klare Regiehandschrift zu erkennen ist. Dennoch: Viele der gewählten Mittel sind tragfähig, beispielsweise ermöglicht die Aufteilung der Frankenstein-Figur auf mehrere DarstellerInnen einen Diskurs innerhalb der Figur auf offener Bühne.

In Corona-Zeiten eher selten auf der Bühne zu sehen: eine laufende Nase (Foto: Thomas M. Jauk)

Das Ensemble zeigt an diesem Abend durchweg gelungene Darstellungskunst. Negative Ausreißer gibt es keine. Besonders positiv fallen zwei SchauspielerInnen auf: Gertrud Kohl verleiht Frankensteins Monster die nötige Zerbrechlichkeit und Verzweiflung, um aufzuzeigen, dass diese groteske Schöpfung eigentlich nur beachtet und geliebt werden möchte. Roman Konieczny gestaltet die Figur des Frankenstein mit besonders beeindruckender Stimme.

 

Fazit

Eine etwas ziellose Inszenierung, die den Kern der Geschichte aber passend in den Fokus nimmt und zugleich reflektiert, sorgt gemeinsam mit guten Darstellungsleistungen für einen Theaterabend, dessen Besuch sich lohnt.

Wertung: ✱✱✱✱✱✱✱

7 von 10 Sternen!

Weitere Aufführungen am 16., 17., 24. Oktober / 25. November 2020

IPHIGENIE AUF TAURIS oder Ihr könnt ruhig wieder wegbleiben

„Iphigenie auf Tauris“

von Johann Wolfgang von Goethe

 

Spielort: Staatstheater Braunschweig, Kleines Haus

Premiere der Inszenierung am: 25.01.2020

Regie: Michael von zur Mühlen

 

Dies ist keine Rezension. Es kann gar keine sein, denn ich bin in der Pause gegangen. Ich kann daher nicht den Anspruch haben, das Stück als Ganzes bewerten zu können. Aber ich weiß, was ich gesehen habe, und Berichte aus der zweiten Hälfte zeigen, dass sie keine Veränderung im Inszenierungsstil gebracht hat. Und das verleitet mich zu einigen Fragen, die bei dieser Aufführung besonders relevant sind, aber auch auf inszenierungsübergreifende Themen deuten. Vor allem: Wie viel Freiheit benötigt, wie viel Verantwortung trägt das Theater für seine eigene Zukunft?

Doch beginnen wir am Anfang. Das Programmheft kündigt über die Inszenierung an, „mit den theatralen Mitteln der Weimarer Klassik […] der Musikalität des Goethe’schen Dramas“ nachspüren zu wollen. Es gehe „nicht um Gestaltung, Aktualisierung oder ums Nacherzählen; es ist der Versuch, das ideengeschichtliche und affektive Potential der ‚Iphigenie‘ unter dem Plot des Stückes in den Vordergrund zu rücken und großes, aus der Sprache entwickeltes Schauspieler*innentheater zu ermöglichen.“ Soweit Claudia Lowin, zuständige Dramaturgin.

Großes SchauspielerInnentheater? Das klingt zunächst begeisternd. Viele ZuschauerInnen sind außerdem verwundert, als sie den Bühnenraum betreten: Mit bedruckten Tüchern an den Wänden entsteht der Eindruck eines klassizistischen Bühnenbaus. Erlebt man hier etwa Theater, wie es sich das Publikum so oft wünscht, wenn es nach traditionellen Inszenierungen verlangt?

Nein. Was das Publikum nämlich meistens meint, ist, dass dem Stück nicht krampfhaft neue Ebenen gegeben werden sollen. Dass die Handlung als solche erkennbar ist. Und dass die Botschaft des Stückes ernstgenommen wird.

Regisseur Michael von zur Mühlen scheint mit diesem Abend all jenen, die danach rufen, man solle Theater wie früher machen, einen hämischen Stinkefinger zeigen zu wollen: „Hier habt ihr euer klassisches Theater!“ Das Bühnenbild besteht aus einem bemalten Vorhang und die DarstellerInnen deklamieren ihren Text mit größtmöglichem Pathos. Alles wird überbetont, ganze Dialoge werden in Richtung des Publikums ausgeführt und nicht etwa unter den Figuren ausgetauscht. Und was genau ist das Problem daran?

Dass dem Publikum vermutlich der Spiegel vorgehalten werden soll, ist eine Sache. Ja, es ist nicht sinnvoll, Stücke so ähnlich „wie früher“ zu inszenieren, weil sich die Sehgewohnheiten geändert haben. Nur: Wer als Regisseur Provokation über den Respekt vor dem Werk stellt, vergeht sich auch an den Werten, die Goethe mit seinem Stück transportieren wollte, und vergibt außerdem die Chance, das Stück für heute relevant zu machen, was mit einer wie auch immer gearteten Aktualisierung durchaus möglich wäre.

Nur auf den ersten Blick wirkt’s ansprechend (Foto: Thomas M. Jauk/stage picture)

Iphigenie wird an diesem Abend von der Vertreterin eines Humanitätsideals zur reinen Lachnummer. Spätestens als Orest wie ein Wahnsinniger herumbrüllt und Iphigenie genervt darauf reagiert, wird das Theater zur Slapstickbühne. Werte, Ideale, alles Quatsch, schaut her, wie affektiert wir sind. Einige ZuschauerInnen im Saal haben damit kein Problem. Dann wird eben gelacht. Andere sind sichtbar irritiert, manche wütend. Das kann man sich in bestimmten Inszenierungen leisten. Die Geübten im Publikum werden wiederkommen. Aber: Besonders die jüngeren ZuschauerInnen wirken zur Pause ratlos und deprimiert.

Und damit sind wir bei der besonderen Verantwortung des Theaters in diesem Fall: Wer Goethes „Iphigenie“ genau dann inszeniert, wenn sie gerade von allen ZwölftklässlerInnen Niedersachsens als Abitur-Pflichtlektüre gelesen werden muss, weiß genau, dass das Publikum zu einem guten Teil aus eben diesen Schülergruppen bestehen wird. Die Vorstellungen der kommenden Wochen und Monate sind großteils bereits vor der  Premiere quasi ausverkauft.

In den Deutschkursen des Landes wird mit einiger Anstrengung versucht, Goethes Wertevermittlung möglichst anschaulich zu machen. Für die Schulklassen ist ein Theaterbesuch zwar immer mit einem gewissen Respekt verbunden – hier wird Theater immer noch als Ort einer vermeintlich „höheren Gesellschaft“ wahrgenommen – doch die LehrerInnen nehmen das gerne in Kauf, erstens, um zu zeigen, dass Theater attraktiv sein kann, zweitens, um dem Textverständnis der SchülerInnen mehr Tiefe zu geben.

Die vorliegende Inszenierung zeigt den ungeübten Theatergängern, denen es oft schwer fällt, zu entscheiden, was ironisch und was ernst gemeint ist, vor allem eines: Theater ist anstrengend und weltfremd. Und Goethes Werk, aktuell Abiturthema: Kann man offenbar eh nicht ernst nehmen.

Wenn ich in der Pause, selbst überfordert von den ersten fast zwei Stunden und nicht gewillt, diese Texttortur eine weitere Stunde auf mich zu nehmen, den Saal verlasse, an einer Gruppe junger TheaterbesucherInnen vorbei gehe und höre „Ich hab’s ja geahnt, dass Theater scheiße ist“  (zustimmendes Gemurmel der Umstehenden), dann habe ich nicht einmal mehr den Impuls, zu widersprechen. Ich möchte zustimmen und zeitgleich einschränken: „Theater ist nicht immer so. Versucht es ein anderes Mal.“ Da ist der Schaden aber schon geschehen. Die Chance, neues Publikum zu gewinnen: vertan. Im Kopf bleibt der große Stinkefinger und die Frage, ob Theater es sich wirklich leisten will, sich Stück für Stück selbst abzuschaffen.

Gähnen und Staunen: EUGEN ONEGIN

„Eugen Onegin”

Musik: Peter I. Tschaikowsky

Text: Konstantin S. Schilowsky & Peter I. Tschaikowsky

 

Spielort: Staatstheater Braunschweig

Premiere der Inszenierung am: 17.01.2020

Spielzeit: ca. 180 Minuten inkl. Pause

Regie: Isabel Ostermann

 

Abendbesetzung:

Musikalische Leitung: Srba Dinić

Eugen Onegin: Maximilian Krummen

Tatjana: Ivi Karnezi

Olga: Milda Tubelytė

Lenski: Joska Lehtinen

Larina: Edna Prochnik

Fürst Gremin: Valentin Anikin

Filipjewna: Zhenyi Hou

Saretzki: Rainer Mesecke

Triquet: Sungmin Kang

Hauptmann: Peter Hamon

 

Darum geht‘s

Tatjana und Olga wachsen in einer dörflichen Gemeinschaft auf. Olga ist einem Bekannten der Familie, Lenski, versprochen, Tatjana verliebt sich unsterblich in Lenskis Freund Eugen Onegin. Sie gesteht ihm ihre Liebe, doch Eugen weist sie ab. Bei einem Fest zu Tatjanas Namenstag taucht Onegin neben Lenski auf. Doch Onegin gefällt das Fest nicht. Aus Rache, dass Lenski ihn mitgeschleppt hat, turtelt er mit Olga. Lenski lässt sich bis aufs Äußerste provozieren und fordert Onegin zum Duell auf Leben und Tod…

 

So ist’s gemacht

Die Braunschweiger Inszenierung entscheidet sich für einen künstlerischen Mittelweg: Da ist die Regie der Braunschweiger Operndirektorin Isabel Ostermann, die die Geschichte nachvollziehbar erzählt, ihr aber auch eine eigene Interpretation unterlegt. Da ist die Bühne von Stephan von Wedel, deren Ausstattung – wie bereits aus von Wedels Kollaborationen mit Regisseur Ingo Kerkhof in Hannover bekannt – sehr reduziert daherkommt. Und da sind die Kostüme von Julia K. Berndt, die einerseits historisierend sind und andererseits gerade diese Historisierung immer wieder brechen.

Das eigentliche Potential der Inszenierung zeigt sich erst spät. Im ersten – und längsten – Akt wird zu viel in der zwar interessant beleuchteten, aber ansonsten sehr schlicht gehaltenen Kulisse ziellos herumgelaufen und –gestanden. Die hier noch sehr zurückhaltend agierende Regie tut insbesondere dem zweiten und dritten Bild (mit langen Monolog- und Dialogszenen) nicht gut. Hart an der Grenze zur Langeweile schleicht die Handlung dahin – auch wenn Tschaikowskys Musik schön anzuhören ist.

Provokationen auf dem Fest: Die Handlung verdichtet sich (Foto: Björn Hickmann/Stage Picture)

Glücklicherweise hat man sich in Braunschweig entschieden, die Pause mitten in den zweiten Akt zu setzen. Und so verdichtet sich die Handlung bis zur Pause noch. Das Fest, das mit der Aufforderung zum Duell endet, wird stimmungs- und spannungsvoll auf die Bühne gebracht. Der wirkliche Clou der Pausensetzung wird allerdings erst im weiteren Verlauf klar, denn nach dem Duell im zweiten Akt senkt sich nicht etwa der Vorhang, sondern wir erhalten einen Einblick in Onegins Zustand, nachdem er Lenski getötet hat. Ein überraschender, inszenatorisch sehr kluger Kniff der Regie. Und auch im dritten Akt wird zunehmend weiter psychologisiert. Man denkt sich „es geht doch“ und kann sich bis zum kräftigen Schlussakkord in die nun hochspannende Darstellung fallen lassen.

 

So wird gespielt

Der Generalmusikdirektor hat das Orchester und alle anderen AkteurInnen an diesem Abend gut im Griff, pointiert, wo es sinnvoll ist, und lässt da, wo es angebracht ist, zarte Töne erklingen. Die MusikerInnen steigern sich insgesamt im Laufe des Abends. Während zu Beginn noch stellenweise Geschrummel in den Streichern und der eine oder andere versemmelte Ton bei den Bläsern zu hören ist, verlieren sich diese kleinen Unsauberkeiten mit zunehmender Länge der Vorstellung.

Sungmin Kang ist eine der Entdeckungen des Abends: Er erntet am Ende für seinen kurzen, aber intensiven und sehr stimmschönen Auftritt als Triquet großen Applaus. Zhenyi Hou singt und spielt die Filipjewna durchweg angemessen. Valentin Anikin ist mit seinem satten, treffsicheren Bass eine Luxusbesetzung für Fürst Gremin. Edna Prochnik überzeugt durchweg als energische Larina.

Joska Lehtinen bringt den nötigen schauspielerischen Ausdruck für Lenski mit. Die leisen Töne – insbesondere seine Arie direkt vor dem Duell mit Onegin – gelingen ihm sehr schön, in der Rage Lenskis auf dem Fest fehlt es ihm etwas an stimmlicher Durchsetzungskraft.

Dramatischer Schlusspunkt: Onegin auf Knien (Foto: Björn Hickmann/Stage Picture)

Milda Tubelytė ist eine sehr gute Besetzung für Olga. Ihre Stimme hat eine Wärme und Treffsicherheit, die beeindruckt, ihr Schauspiel gelingt dabei jederzeit auf den Punkt. Ivi Karnezi überzeugt als Tatjana und zeigt im letzten Bild, dass sie nicht nur das schüchterne Mädchen, sondern auch die entschlossene Frau spielen kann.

Maximilian Krummen bewältigt die Partie des Eugen Onegin stimmlich durchweg prima. Schauspielerisch ist seine Performance zweischneidig: Er überzeugt immer dann, wenn er gerade nicht singen muss, solche Momente können sich bis zu Gänsehaut erzeugender Brillianz steigern (zu erleben beim Duell mit Lenski). Während des Singens allerdings neigt er zum Stieren und Starren, sodass seine Figur bei näherer Betrachtung zur Karikatur zu werden droht. Dennoch: Gemessen an seinen bisherigen Rollen in Braunschweig ist der Onegin sicherlich ein weiterer Schritt in die richtige Richtung für ihn.

 

Fazit

Die Inszenierung vergibt zunächst viel und steigert sich dann deutlich bis hin zu einem Schluss, der einfach nur mitreißt. Musikalisch gibt es viel Licht und weniger Schatten. Ein Premierenabend, mit dem das Staatstheater also zufrieden sein kann – auch wenn das nicht ganz ausverkaufte Haus darauf hindeutet, dass es mit der Publikumsauslastung in den nächsten 11 Vorstellungen vielleicht nicht ganz einfach werden könnte.

Wertung: ✱✱✱✱✱✱✱

7 von 10 Sternen!

Weitere Vorstellungen: 24. Januar / 02., 09., 21. Februar / 12., 22., 27., 29. März / 21. April / 09., 22. Mai 2020

Herzlichen Dank dem Staatstheater Braunschweig für die Bereitstellung von Pressebildern.

Gemeinsam zum Erfolg: LA BOHEME

„La Bohème“

Musik: Giacomo Puccini

Text: Giuseppe Giacosa & Luigi Illica

 

Spielort: Staatstheater Braunschweig

Premiere der Inszenierung am: 01.12.2018

gesehen am: 29.12.2019

Spielzeit: ca. 140 Minuten inkl. Pause

Regie: Ben Baur

 

Abendbesetzung:

Musikalische Leitung: Christopher Lichtenstein

Mimi: Ivi Karnezi

Musetta: Anat Edri

Rodolfo: Kwonsoo Jeon

Marcello: Zachariah N. Kariithi

Schaunard: Maximilian Krummen

Colline: Jisang Ryu

u.v.m.

 

Darum geht‘s

Wer einen Einblick in Inhalt und Musik der Oper erhalten möchte, dem sei folgendes Video des Schweizer Fernsehens ans Herz gelegt.

 

So ist’s gemacht

„[Das Publikum zu Tränen zu rühren, das] schaffen wir nur, wenn wir wie [Puccini] Orchester, Gesang, Bühne, Worte, Situation und Atmosphäre zu einer Einheit verschmelzen lassen.“ Premierendirigent Iván López Reynoso schreibt diese Worte im Programmheft zur Braunschweiger Inszenierung eines der größten Opern-Hits der Musikgeschichte. Und genau das ist es, was dieser Abend leistet. Regisseur und Bühnenbildner Ben Baur und sein Kreativteam entscheiden sich dafür, der Geschichte und der Musik ihren Raum zu lassen, nur kleine Aktualisierungen vorzunehmen. So wird die Handlung um rund 70 Jahre verlegt, vom frühen 19. Jahrhundert in das Paris der Jahrhundertwende um 1900. Ansonsten hält man sich eng an die Textvorlage: Wenn es in Regieanweisungen und Musik schneit, so schneit es auch auf der Bühne. Wenn im zweiten Bild im Pariser Ausgehviertel gefeiert wird, dann geschieht dies buchstäblich mit Pauken und Trompeten und sehr viel Glitzerkonfetti. Auffallend dabei sind sowohl die aufwendig gestalteten Bühnenbilder als auch das gekonnte Lichtkonzept (verantwortlich: Frank Kaster), das die Atmosphäre der Musik auf die Bühne überträgt und so mithilft, ein stimmiges Gesamtbild zu erzeugen. Hier wird eine Geschichte erzählt, die berührt, die mitnimmt, die zum Träumen anregt. Das Publikum zeigt sich beindruckt, und reagiert spürbar beeindruckt auf die vielfältigen optischen Reize.

Ein Künstlerleben (Foto: Björn Hickmann stage picture, Abendbesetzung abweichend)

Doch auch auf die Figurenzeichnung wird durchaus Wert gelegt. So verleiht Baur den Figuren durch viele Details eine vielschichtigere Persönlichkeit, als das in vielen anderen Inszenierungen des Puccini-Klassikers üblich ist. Musettas Wandlung innerhalb der Oper, bei der man erst am Schluss ihren wahren Charakter erkennt, wird glaubhaft dargestellt.

Lohnend ist im Übrigen ein Kauf des Programmheftes. Bemerkenswert viele Originalbeiträge zieren das Heft. Der leitenden Dramaturgin Valeska Stern, mit der das Braunschweiger Haus offenbar einen echten Glücksgriff getan hat, gelingt es hier in besonderer Weise, hohe Informationsdichte und angenehmen Lesefluss in ihren Beiträgen zu verbinden.

 

So wird gespielt

Jusang Ryu und Maximilian Krummen singen und spielen ihre Rollen durchweg solide. Zachariah N. Kariithi ist ein energischer Marcello, der die Emotionen der Figur glaubhaft macht und seine Rolle insgesamt wirklich gut ausfüllt. Anat Edri überzeugt als Musetta mit dem für die Partie nötigen Ausdruck. Ivi Karnezi und Kwonsoo Jeon sind ein prima harmonierendes Protagonistenpaar. Beide gestalten ihre Rollen intensiv, besonders deutlich wird dies im letzten Bild, in dem sie die Tragik des Geschehens deutlich spüren lassen. Außerdem meistert Kwonsoo Jeon auch die sehr hohen Tenor-Passagen mit treffsicherer, warmer Stimme.

Ein Tod, der rührt (Foto: Björn Hickmann stage picture, Abendbesetzung abweichend)

Die Solisten, die gut vorbereiteten Chöre und das an diesem Abend auf den Punkt spielende Orchester zusammenzuhalten, das ist Aufgabe des Dirigenten Christopher Lichtenstein. Und das gelingt ihm: Er lässt das Orchester Feinheiten und kraftvolle Momente betonen, ohne in Extreme zu verfallen, die Sänger werden nicht totmusiziert, sondern vom Orchester getragen, und wenn alle auf der Bühne gemeinsam singen, kommt ein sehr ausgewogener Klang dabei heraus. So soll es sein!

 

Fazit

Musikalisch eine durchweg gelungene Aufführung: Keine Leistung sticht extrem heraus, dafür erlebt man ein sehr stimmiges Gesamtbild und damit eine wirklich gute Ensembleleistung. Inszenatorisch handelt es sich definitiv um einen großen Wurf, dem es mit Respekt vor dem Ursprungswerk gelingt, maximale Emotion zu erzeugen, indem Bühne und Musik ein großes, atmosphärisches Ganzes ergeben. Im letzten Bild etliche ergriffene Schnieflaute, danach lang anhaltender Applaus eines hoch zufriedenen Braunschweiger Publikums im leider nicht ganz ausverkauften Haus. Dieser Inszenierung ist ein langes Leben zu wünschen, sie hat das Zeug zum Klassiker im positivsten Sinne!

Wertung: ✱✱✱✱✱✱✱✱✱

9 von 10 Sternen!

Weitere Aufführung: 26. Januar 2020

Herzlichen Dank dem Staatstheater Braunschweig für die Bereitstellung von Pressefotos.

Der Teufel auf der Baustelle: FAUST

„Faust”

Musik: Charles Gounod

Text: Jules Paul Barbier & Michel Florentin Carre

 

Spielort: Staatstheater Braunschweig

Premiere der Inszenierung am: 18.10.2019

Spielzeit: ca. 180 Minuten inkl. Pause

Regie: Markus Bothe

 

Abendbesetzung:

Musikalische Leitung: Christopher Lichtenstein

Faust: Joska Lehtinen

Mephistopheles: Valentin Anikin

Marguerite: Ekaterina Kudryavtseva

Valentin: Zachariah N. Kariithi

Siebel: Milda Tubelyte

Wagner: Jisang Ryu

Marthe: Zhenyi Hou

 

Darum geht‘s

Faust ist alt und deprimiert. Er beschwört den Teufel, Mephisto erscheint prompt und gibt Faust seine ersehnte Jugend zurück. Sofort wirft Faust ein Auge auf die junge Marguerite. Doch da er und sein teuflischer Gefährte nur auf Spaß aus sind und kaum ernsthafte Absichten haben, bedeutet die Liaison für Marguerite den Untergang. Als Faust dies erkennt und Reue zeigt, ist es zu spät. Marguerite hat ihren Bruder verloren, ihr mit Faust gezeugtes Kind umgebracht, sitzt nun im Kerker und wartet auf die Todesstrafe…

Mephisto hat Ideen (Bild mit abweichender Besetzung, Foto: Bettina Stoess)

 

So ist’s gemacht

Markus Bothes Inszenierung des französischen Opernklassikers bietet viel Licht und noch mehr Schatten. Gut umgesetzt werden die perfiden kleinen Spielchen des Mephisto, inklusive kleiner Zaubertricks mit Flammen und überraschenden Auftritten. Auch die Idee, dem Teufel vier Hilfsteufel zur Seite zu stellen, überzeugt. Wie am Ende die Apotheose der Marguerite bebildert wird, ist clever gelöst. Beeindruckend einfach und doch klar ist das Bühnenbild am Schluss der Oper.

Und doch: So schön manche Details auch ausfallen, so unbefriedigend sind Raum- und Regiekonzept insgesamt. Robert Schweer hat eine Drehbühne geschaffen, auf der verschiedene kleine Räume (niemals formatfüllend) aufgebaut werden. Diese Räume wechseln im Laufe der Aufführung. Dadurch, dass nie ein wirklich abgeschlossener Raum illusioniert wird und zwischen den Bühnenteilen Lücken zu erkennen sind, die während der Raumwechsel nicht nur sichtbar gemacht, sondern auch noch bespielt werden, erhält der gesamte Bühnenraum Baustellen-Charakter. Man könnte diesen Kniff als interessante Deutung von Mephistopheles‘ Machenschaften als keines Illusionsspiel für Faust interpretieren oder es auch als augenzwinkernde Anspielung auf die Abstrusität der Handlung sehen, insgesamt leidet aber vor allem die Emotion unter der entstandenen Metaebene. Die Verlegung der Handlung in eine ländliche Gegenwart erscheint ebenso unnötig. Warum das Ganze im Heute spielen muss, wird an keiner Stelle deutlich. Die ländlich verkommene Spießgesellschaft, wie sie hier unter anderem mit einer abgeranzten Kneipe und maskierten Einwohnern auf die Bühne gebracht wird, wirkt wie eine unbeholfene Karikatur, die abfällig-klischeehafte Sicht eines Großstädters auf ländliche Strukturen. Durch stellenweise zu verkopfte und zugleich ästhetisch wenig ansehnliche Bildwelten wird die auf eine geheimnisvolle und emotionsgeladene Atmosphäre hin angelegte Musik konterkariert, aber zugleich kein stimmiges Gegenkonzept präsentiert. Ärgerlich.

Babyfratzen unterm Kreuz: Marguerite wird verflucht (Foto: Bettina Stoess)

 

So wird gespielt

Licht und Schatten gibt es auch in der Musik, allerdings überwiegt hier eindeutig das Licht. Das Orchester präsentiert sich unter der Leitung von Christopher Lichtenstein bestens präpariert, nur einige Misstöne in den Hörnern sind zu bekritteln und es ist festzustellen, dass zu Beginn Chor und Orchester nicht immer zusammen gewesen sind. Letzteres besserte sich jedoch im Laufe der Aufführung merklich. Besonders positiv fallen die extrem tonsicheren und wunderschön weich agierenden Streicher auf. Auch intensive und anspruchsvolle Stellen wie der Danse der Phryne gelingen dem Staatsorchester insgesamt mustergültig, Lichtenstein treibt die MusikerInnen hier zu eindrucksvoller Lautstärke, als habe er sich zum Ziel gesetzt, den tristen Bildwelten auf der Bühne entgegenwirken zu wollen. Der Chor präsentiert sich an diesem Abend gut, aber nicht so gut wie in Braunschweig gewohnt: Die Herren sind heute im oberen Tonbereich etwas dünn unterwegs.

Zhenyi Hou und Jisang Ryu sind angemessene Besetzungen für die eher kleineren Rollen der Marthe und des Wagner. Zachariah N. Kariithi darf an seiner Schauspielkunst – insbesondere am Bewegungsfluss – noch arbeiten, singt den Valentin aber gut. Milda Tubelyte darf getrost als Luxusbesetzung für Siebel bezeichnet werden, und zwar darstellerisch wie gesanglich. Joska Lehtinen nimmt man als Faust ohne Schwierigkeiten ab, dass eine Frau wie Marguerite auf ihn fliegen könnte, sowohl was die Optik angeht als auch was sein überzeugendes Spiel betrifft. Aus musikalischer Perspektive ist er ein vom Stimmvolumen her zwar eher dünner, aber dafür auch in den Höhen sicherer Tenor (was man von Ensembletenören an Opernhäusern mittlerer Größe beileibe nicht immer behaupten kann). Ekaterina Kudryavtseva beeindruckt mit einer großen Stimme, die auch herausfordernde Stellen scheinbar mühelos meistert – ihr Spiel könnte jedoch streckenweise differenzierter sein. Als Entdeckung des Abends kann Valentin Anikin gelten: Der Text kommt bei ihm nicht immer sauber rüber, aber dafür ist er ein schauspielerisch wie musikalisch bestens aufgestellter Mephisto. Seine Häme und sein Witz im Spiel, aber auch sein Stimmvolumen überzeugen auf ganzer Linie.

 

Fazit

Viel Licht in der Musik, viel Schatten in der Regie: Der Braunschweiger „Faust“ ist eine durchaus zwiespältige Angelegenheit, aber in jedem Fall lohnenswert, wenn man noch nie eine Gounod-Oper live gehört hat. Das Publikum im längst nicht ausverkauften Saal dankt es mit vereinzelten stehenden Ovationen für die DarstellerInnen und das Orchester.

Wertung: ✱✱✱✱✱✱

6 von 10 Sternen!

Weitere Vorstellungen am 19. und 28. Dezember 2019.

Herzlichen Dank dem Staatstheater Braunschweig für die Bereitstellung von Pressebildern.

A Star Is Born: CHICAGO

„Chicago“

Musik: John Kander

Text: Fred Ebb & Bob Fosse

 

Spielort: Staatstheater Braunschweig

Premiere der Inszenierung am: 30.11.2019

Spielzeit: ca. 165 Minuten inkl. Pause

Regie: Matthew Wild

 

Abendbesetzung:

Musikalische Leitung: Georg Menskes

Roxie Hart: Sophia Gorgi

Velma Kelly: Fleur Jagt

Billy Flynn: Markus Schneider

Matron „Mama“ Morton: Marion Campbell

Amos Hart: Mike Garling

Mary Sunshine: Victor Petersen

Conferencier: Rachel Colley

In weiteren Rollen: Pascal Cremer, Lorenzo Eccher, Denis Edelmann, Bianka Fucsko, Kay Heijnen, Fanny Hoffmann, Yannick Illmer, Hannah Leser, Lina Leter, Nathalie Parsa, Andrea Viggiano, Martina Vinazza, Lars Wandres

 

Darum geht‘s

Chicago in den 1920er-Jahren: Roxie Hart hat ihren Geliebten umgebracht und kommt dafür ins Gefängnis. Sie träumt davon, eines Tages ein erfolgreiches Showgirl zu werden. Im Gefängnis lernt sie Velma Kelly kennen, ihrerseits erfolgreiches Showgirl und ebenfalls wegen Mordes auf der Anklagebank. Dank der Hilfe der Gefängnisaufseherin Matron „Mama“ Morton und steten Bemühens von Amos, Roxies Mann, wird Roxie bald vom selben Anwalt vertreten wie Velma: Billy Flynn zieht die Strippen in einer Justizgesellschaft, die vor allem anderen eine gute Show erwartet. Wie eigenständig darf und wie willenlos muss Roxie sein, um eines Tages nicht nur freigesprochen, sondern auch ein gefeierter Star zu werden?

Beine bis zum Himmel (Foto: Stage Picture Björn Hickmann)

 

So ist’s gemacht

Als erstes fällt auf: Der Ton sitzt. Alles ist prima verständlich an diesem Abend, an dem man sich entschieden hat, die Dialoge auf Deutsch, die Songs aber auf Englisch zu präsentieren – eine qualitativ goldrichtige Entscheidung! Zu Beginn gibt es noch einzelne Schwierigkeiten mit dem rechtzeitigen Anschalten mancher Mikros, aber das ist schnell vorbei und führt auch nicht zu Nachvollziehbarkeits-Problemen.

Regisseur Matthew Wild erzählt die wendungsreiche Story mit viel Witz und Tempo, inszeniert eher ruhige Momente aber auch sehr passend und gibt so Luft zum Durchatmen. Das geniale Bühnenbild von Conor Murphy bildet zusammen mit den ebenso wunderbaren Kostümen einen perfekten Rahmen: Zwei Bühnenebenen sorgen dafür, dass schnelle Bühnenverwandlungen, Parallelhandlungen und Hintergrundgeschehnisse exzellent umgesetzt werden können, die DarstellerInnen spielen und singen nicht nur in den Kulissen, sondern auch mit ihnen. Das ausgefeilte Lichtkonzept von Katharina Möller tut sein Übriges dazu, um die Produktion endgültig mustergültig zu machen. Mit der farben- und sehr abwechslungsreichen Welt, die hier geschaffen wird, hebt man sich wohltuend von anderen Inszenierungen des Musicals ab und bietet dem Ensemble beste Entfaltungsmöglichkeiten.

No Business Like Show Business (Foto: Stage Picture Björn Hickmann)

 

So wird gespielt

Georg Menskes hat das Staatsorchester hervorragend im Griff und koordiniert die diversen Beteiligten unter und auf der Bühne mit großer Sicherheit. Die MusikerInnen offenbaren keinerlei Schwächen und sorgen für einen Klang, der die DarstellerInnen quasi auf Händen durch die Vorstellung zu tragen vermag.

Das Ensemble auf der Bühne macht seine Sache mehr als gut: Dynamisch, vielseitig und stimmlich sehr gut aufeinander abgestimmt präsentiert sich die gesamte Gruppe der DarstellerInnen an diesem Abend. Rachel Colley ist eine Luxusbesetzung als Conferenciere, Victor Petersen spielt die Mary Sunshine mit großer Verve und noch größerem Gestus, dabei äußerst stimmschön. Mike Garling gewinnt als Amos Hart schnell die Herzen des Publikums. Es ist fast traurig, wie wenig Marion Campbell in ihrer Rolle als Matron „Mama“ Morton zu singen hat, sie vermag in jedem ihrer Gesangsmomente zu strahlen. Markus Schneider füllt seine Rolle als Billy Flynn hervorragend aus: Verschlagen, gewitzt, gutaussehend und stimmstark nimmt er den Bühnenraum in jeder Sekunde für sich ein. Fleur Jagt ist eine sehr wohlklingende Velma Kelly mit beeindruckend langen Beinen und treffsicherer Bühnenpräsenz, noch übertroffen allerdings von Sophia Gorgi, die die Roxie Hart mit so viel Beweglichkeit, schauspielerischer Sicherheit und überragendem stimmlichen Ausdruck spielt, dass sie vollkommen mit der Figur verschmilzt und eine Performance abliefert, die eine Renee Zellweger (spielte die Roxie in der Verfilmung) unverzüglich dem Vergessen anheimfallen lässt.

 

Fazit

Triumph! Nach begeistertem Szenenapplaus für jeden einzelnen Song steht am Ende der gesamte Saal und feiert eine Inszenierung, ein Orchester und vor allem ein Ensemble, die es in dieser geballten Qualität nicht oft auf deutschen Musicalbühnen zu erleben gibt.

Wertung: ✱✱✱✱✱✱✱✱✱✱

10 von 10 Sternen!

Weitere Vorstellungen am 05., 11., 20., 31. Dezember 2019 / 12., 16. Januar / 05., 14., 22., 23. Februar / 7., 26. März / 13., 25. April / 1. Mai 2020

Herzlichen Dank dem Staatstheater Braunschweig für die Bereitstellung von Pressebildern.

Paris, mon amour! DIE LUSTIGE WITWE

„Die lustige Witwe“

Musik: Franz Lehar

Text: Victor Leon & Leo Stein

 

Spielort: Staatstheater Braunschweig

Premiere der Inszenierung am: 23.02.2019

gesehen am: 28.09.2019

Spielzeit: ca. 150 Minuten inkl. Pause

Regie: Klaus Christian Schreiber

 

Abendbesetzung:

Musikalische Leitung: Christine Strubel

Hanna Glawari: Ivi Karnezi

Danilo Danilowitsch: Maximilian Krummen

Valencienne: Milda Tubelytė

Camille de Rosillon: Kwonsoo Jeon

Mirko Zeta: Rainer Mesecke

u.v.m.

 

Darum geht‘s

Danilo Danilowitsch und Hanna Glawari sind früher ein Paar gewesen. Doch sie war arm und er war reich, die Verbindung ist dadurch unmöglich gemacht worden. Nun treffen sich beide auf einem Botschaftsball wieder. Sie ist mittlerweile verwitwet und reich. Und Danilo erhält den Auftrag, ausgerechnet Hanna zu heiraten, um mit ihrem Vermögen den Staatshaushalt seines Landes, das den Ball ausrichtet, aufzumöbeln…

 

So ist’s gemacht

Operette inszenieren heißt: sich für die richtige Balance aus Unterhaltung und Ernsthaftigkeit entscheiden. Genau das gelingt der Inszenierung von Klaus Christian Schreiber. Schreiber hat eine Dialogfassung geschaffen, die aktuell ist, aber das Stück nicht verstellt, die witzig ist, aber nicht harmlos, die vor Wortwitz nur so strotzt und dabei nur wenige Pointen versemmelt. Das allein ist schon eine Kunst und von daher hat der Abend beste Chancen, zu einem guten zu werden.

Die reiche Witwe und ihre Verehrer (Foto: Björn Hickmann/Stage Picture)

Schönerweise arbeitet die Inszenierung sehr gelungen mit der Textfassung. Genau die richtige Mischung aus Gesprochenem und Gesungenem wird gefunden, nicht nur Romantik, auch das Theater an sich inklusive seinem Publikum („Schlafen Sie weiter, Abonnent!“) werden gekonnt auf die Schippe genommen. Wenn Danilo sich in die erste Publikumsreihe begibt oder die Figuren sich auf der Bühne über eventuelle Zusatzproben unterhalten, beweist das die Selbstironie der Inszenierung. Aktualisiert wird vor allem über die Themen Smartphone und soziale Netzwerke, hier sitzen nicht alle Gags, aber fast alle, und das ist eine insgesamt lobenswerte Trefferquote.

Zusätzlich zur Unterhaltung tragen das famose große Bühnenbild, das gelungene Lichtkonzept sowie der sehr gekonnte Einsatz von Tanzeinlagen bei – ein Vorteil eines Drei-Sparten-Theaters ist ja, dass diese Tanzeinlagen von Profis gestaltet werden können und somit das nötige Feuer erhalten.

Eher wenig unterhaltsam ist leider die textliche Gestaltung des Njegus, dessen Gags nur selten zur vollen Zündung gelangen.

 

So wird gespielt

Musikalisch solide fällt der Abend insgesamt aus. Der Chor ist bestens präpariert und schmettert an den entscheidenden Stellen wunderschöne Melodien. Christine Strubel hat das Orchester insgesamt offenkundig gut im Griff und bringt die verschiedenen Akzente von fröhlich bis zart gelungen an die Oberfläche, nur am Anfang sind DarstellerInnen und Orchester zu oft nicht ganz zusammen.

Damenwahl (Foto: Björn Hickmann/Stage Picture)

Rainer Mesecke ist ein nicht nur gesanglich, sondern vor allem auch schauspielerisch überzeugender Zeta. Kwonsoo Jeon gestaltet als Camille de Rosillon seine Rolle gesanglich schön aus. Milda Tubelytė liefert als Valencienne den insgesamt überzeugendsten Auftritt des Abends und scheint mit ihrer Figur nicht nur schauspielerisch geradezu zu verschmelzen, sondern singt auch kraftvoll schön. Maximilian Krummen nimmt man den volltrunkenen Lebemann zu Beginn nicht ganz ab, gesanglich bewegt aber auch er sich im akustisch sehr angenehmen Bereich. Ivi Karnezi spielt die Hanna mit großem Verve, trifft auch hohe Töne recht gut und bildet mit Krummen ein klangvolles Duo (insbesondere bei dem sehr bekannten „Lippen schweigen“), wird aber leider zu oft vom Orchester übertönt.

 

Fazit

Eine schön anzusehende, witzige und dennoch nicht banale Inszenierung und solide musikalische Leistungen lassen diesen Operettenabend zu einem spaßigen werden. Gerade im Hinblick auf die gezeigten Leistungen und Schauwerte ist es sehr schade, dass die Vorstellung an diesem Samstagabend nicht gut besucht ist.

Wertung: ✱✱✱✱✱✱✱✱

8 von 10 Sternen!

Weitere Vorstellungen am 04. Oktober, 15. November, 04./21. Dezember 2019 und am 03. Januar 2020.

Sturm im Einzelzimmer: DER FLIEGENDE HOLLÄNDER

„Der fliegende Holländer“

Musik und Text: Richard Wagner

 

Spielort: Staatstheater Braunschweig

Premiere der Inszenierung am: 13.10.2018

gesehen am: 20.01.2019

Spielzeit: ca. 140 Minuten

Regie: Isabel Ostermann

Abendbesetzung:

Musikalische Leitung: Srba Dinic

Der Holländer: Jaco Venter

Senta: Inga-Britt Andersson

Daland: Michael Eder

Erik: Kwonsoo Jeon

Der Steuermann: Matthias Stier

Mary: Zhenyi Hou

 

Darum geht‘s

In den folgenden sechs Minuten wird die Handlung humorig zusammengefasst:

 

So ist’s gemacht

Bei Wagner-Opern scheint es seit längerem bereits ein Trend zu sein, mit Einheitsbühnenbildern zu arbeiten. Meist handelt es sich dabei um Häuser mit mehreren Räumen oder Passagen. So ließ die Staatsoper Hannover kürzlich den „Fliegenden Holländer“ in einem mehrstöckigen Einkaufszentrum stattfinden. Der Vorteil: Man kann große, quasi der Musik entsprechend monumentale Bauten auf die Bühne stellen, ohne dass es umständliche Umbauten geben müsste. Der Nachteil: Die Handlung lässt sich nicht mehr so auf die Bühne bringen wie vom Librettisten geplant.

Bevor das Braunschweiger Publikum das Einheitsbühnenbild von Stephan von Wedel überhaupt zu sehen bekommt, ist es schon mittendrin im Gewitter: Sturm ist zu hören, die Lampen im Saal flackern. Ein eindrucksvoller Beginn dieser „Holländer“-Inszenierung. Spannend auch: Die Zeit spielt eine große Rolle, Uhren, die nicht ganz normal ticken, sind zu sehen. Eine prima Idee, um die Rastlosigkeit des Holländers und die Mystik des Stoffes zu visualisieren.

Bevor der Holländer kommt, wird fleißig Fisch ausgenommen (Foto: stagepicture Björn Hickmann)

Doch auch die Grenzen der Inszenierung werden schnell deutlich: Man mag noch so viel Lichter flackern lassen, wirklich unheimlich wird es bei einem Einheitsbühnenbild, das eine Art Empfangsraum darzustellen scheint, nie. Der Raum öffnet sich zwar gegen Ende und wird dem Grusel etwas mehr ausgeliefert, dennoch bleibt man aber immer in einer Wohnzimmeratmosphäre, die auch zum Bombast der Musik nicht recht passen will. Die Figurenzeichnung hingegen gelingt der Regisseurin wunderbar – die Beziehung Sentas und des Holländers wird nicht nur hingenommen, sondern ausgedeutet.

Positiv anzumerken ist am Rande auch – wie schon bei anderen Braunschweiger Inszenierungen – das sehr informativ und kompetent gestaltete Programmheft zur Oper.

 

So wird gespielt

Matthias Stier erscheint als Luxusbesetzung für den Steuermann und macht seine Sache durchweg außerordentlich gut. Kwonsoo Jeon als Erik bleibt da insgesamt etwas blasser, wenn auch trotzdem grundsolide. Michael Eder hört man die Erfahrung seiner Stimme an, er gibt einen sehr väterlich-warmen Daland, eine willkommene Abwechslung. Inga-Britt Andersson ist eine wunderbar feurige Senta, Jaco Venter ein darstellerisch beeindruckender Holländer.

Da steht ein Geist in meinem Wohnzimmer – Senta scheint’s nicht zu schrecken (Foto: stagepicture Björn Hickmann)

Srba Dinic hat sein Orchester jederzeit unter Kontrolle und sorgt für einen runden Wagner-Sound, der den SängerInnen den nötigen Raum lässt und dennoch nicht an Akzentuierung spart.

 

Fazit

Ein musikalisch äußerst runder, inszenatorisch zwar interessanter, aber auch zwiespältiger „Holländer“ kommt in Braunschweig auf die Bühne und hätte durchaus noch eine zweite Spielzeit verdient.

 

Wertung: ✱✱✱✱✱✱✱

7 von 10 Sternen!

Weitere Aufführungen derzeit nicht geplant

Herzlichen Dank dem Staatstheater Braunschweig für die Bereitstellung von Pressefotos.